Kunstmesse:
art at the park
im Hyatt Hotel Wien
vom 19.2. - 22.2.26
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vergangene Projekte:
Paul Landerl
Paul Landerl ist ein Künstler, dessen Arbeit tief in der Fotografie verwurzelt ist. Seine Technik orientiert sich an Methoden, die Maler nutzten, bevor die Fotografie erfunden wurde. In seinen Motiven verbindet er Leichtigkeit mit inhaltlicher Tiefe. Die Bilder wirken auf den ersten Blick zugänglich, entfalten aber rasch komplexe Gedankenräume. Landerl setzt Themen um, die oft negativ belegt sind. Doch er verwandelt sie in positive, inspirierende Impulse. Dadurch entsteht ein Spannungsfeld zwischen Schönheit und Ernsthaftigkeit. Der Betrachter wird eingeladen, vertraute Inhalte neu zu sehen. Emotion und Reflexion greifen dabei ineinander. Seine Werke öffnen Räume für eigene Interpretationen. Kunst wird bei ihm zur Brücke zwischen Vergangenem und Gegenwärtigem. So gelingt es ihm, zeitlose Fragen in moderner Form zu stellen.
Tatjana Grace
Tatjana Grace is an extraordinary Austrian artist whose works radiate love, passion and joy of life. Born in Melitopol, a charming city in the south of Ukraine, she discovered her fascination for art and art history as a child. Today she lives and works in Vienna, where she creates a magical connection with viewers with her unique images. Tatjana began her artistic path as a self-taught artist before honing her skills at a private art school. She learned the art of drawing under the guidance of the academic artist Viktoria Popova, a former student of the renowned Austrian painter Christian Wolfgang Attersee. Her passion for oil painting was further deepened by the Spanish artist Carmen Alberti. This sound training, coupled with her natural talent, led to her distinctive style, which is heavily influenced by symbolism. Tatjana Grace's works are a feast for the senses. She uses high-quality materials, including oil paints and real gold leaf, to give her pictures a special depth and radiance. Her palette is rich in vibrant colors - blue, yellow, red, orange - which are not only visually appealing but also have a healing effect on the soul the viewer has. Her series of images “The Golden Mean” in particular shows how colors can influence our emotions and encourage us to think about life and our inner feelings. Inspired by great artists such as Gustav Klimt, Rembrandt, Leonardo da Vinci, Sandro Botticelli, Vincent van Gogh, Auguste Renoir and Claude Monet, Tatjana has developed a deep connection to art history. Her works are permeated with symbolism that carries a message in every shape and color. The symbols she uses in her paintings are not just decorative; they are carriers of power and meaning that can enrich and transform people's lives. Tatjana Grace is an artist who carefully observes the world around her. Nature, her surroundings, the people and the situations she experiences constantly provide her with new ideas and inspiration. Her insatiable thirst for knowledge and her willingness to experiment drive her to always try new things To find ways in their art.
Reinmar Bartl
Dr. Reinmar Bartl, besser bekannt als Rei, ist eine außergewöhnliche Erscheinung in der Kunstszene, dessen Werdegang ihn von einem renommierten Mediziner zu einem der interessanten Künstler unserer Zeit gemacht hat. Seitdem er sich entschied, seine chirurgische Karriere zugunsten der Kunst aufzugeben, hat Reis Schaffen eine beeindruckende Dynamik und Anerkennung erfahren. Innerhalb weniger Jahre hat sich Rei einen Namen gemacht, der für Innovation und eine tiefgreifende ästhetische Sensibilität steht, und wird in erster Linie vom Kunsthaus Wiesinger vertreten.
Dr. Isolde Engeljehringer
Für Isolde Engeljehringer ist Malen Passion und diese
künstlerische Herausforderung hat sich zu einer beachtlichen
Karriere entwickelt. Inzwischen blickt die in Graz geborene
Künstlerin aus Wien auf mehr als 60 Ausstellungen im In- und
Ausland zurück. In vielen Galerien, unter anderem im Wiener
Künstlerhaus, Kunsthaus Wien, Palais Palffy, Lichtenstein Schloss
Wilfersdorf, WinStage Wr. Neustadt, Graz Art Week, 18. Art
Austria im Museumsquartier, Art Fair Shanghai, biennial art fair
Bozen, VIII International Contemporary Art Fair Marbella,
Venedig, Art Expo New York und im Carrousel du Louvre in Paris
wurden ihre Bilder präsentiert.
Malen ist konzentrierte Arbeit, sie hat sehr viel in die Ausbildung
investiert, z.B. an der Universität für angewandte Kunst, in
Malschulen, sowie Privatunterricht.
Der Schwerpunkt ihrer Arbeit liegt bei großflächigen expressiven
abstrakten Gemälden, meist in Öl, und der Darstellung von
selbstbewussten Frauen, keine Gänseblümchen. Dies hatte Ihr
schon den Ruf eingebracht, amtsuntaugliche Bilder zu malen, die
Kronenzeitung hat darüber schmunzelnd berichtet.
Malen und ihr Beruf inspirieren sich gegenseitig, Bilder und
Juristerei verlangen Durchblick und abstraktes Denken. Als
Juristin im Gesundheitsrecht war sie u.a. für sanitätsrechtliche
Genehmigungen des KH Nord zuständig. Nach überwundener
Krebserkrankung war sie 2015 auf der größten amerikanischen
Kunstmesse, der Art Expo in New York vertreten. Nach der
Ausstellung „Hommage der Künstler Wiens an die Helfer Wiens“
im Wiener Rathauses wurde ihr der Ehrenpreis "Die Helfer
Wiens" durch Bürgermeister Häupl verliehen.
Azize Ceyhun
Azize Ceyhun wurde in Izmir geboren und schloss ihr Studium an der Fakultät für Bildende Künste der Dokuz-Eylül-Universität mit dem Schwerpunkt Fotografie ab. Schon früh spezialisierte sie sich auf die Dokumentarfotografie und realisierte zahlreiche Projekte im Bereich Porträt- und Straßenfotografie. Die österreichische Hauptstadt Wien eröffnete ihr neue künstlerische Horizonte – sie widmete sich intensiv der Musik und der Malerei und entwickelte sich auf beiden Gebieten weiter. Ein Wendepunkt in ihrem Leben war eine orthopädische Operation im Jahr 2023, nach der sie mit Bewegungseinschränkungen konfrontiert war. Die dadurch gewonnene Zeit zu Hause nutzte sie, um sich verstärkt der Kunst zuzuwenden. Besonders die Technik der „Alcohol Ink Art“, die sie über das Internet entdeckte, faszinierte sie nachhaltig. Ohne Pinsel, Stift oder andere traditionelle Werkzeuge – allein mit Farben, Alkohol und einem Airbrush-Gerät – fand sie in dieser expressiven und experimentellen Technik ein neues Ausdrucksmittel. Im Jahr 2024 präsentierte Azize Ceyhun ihre Werke erstmals im Rahmen einer Einzelausstellung im Aserbaidschanischen Kulturzentrum in Wien – ein weiterer Meilenstein auf ihrem künstlerischen Weg.
Peter Öllinger
Péter Öllinger, geboren 2001, beschäftigt sich hauptsächlich mit immerwährenden Themen. Nachdenklichkeit ist ihm wichtig, und seine Werke sollen in der Regel eine positive Botschaft vermitteln, die sich gegen die negativen Strömungen in unserer Welt richtet. Seine Werke sind durch eine lyrische Abstraktion gekennzeichnet. Das Erscheinungsbild der organischen Oberflächen in seinen Werken kann beim Betrachter geheimnisvolle, manchmal mystische Effekte hervorrufen. Er beschäftigt sich mit dem Momentanen und gleichzeitig mit dem Beständigen, dem Ewigen. Er nimmt die Dualität davon wahr und versucht, sie in den Veränderungen von Licht und Schatten im Raum nachzuzeichnen.
Zurzeit arbeitet er an seinem Diplom (MA) in Kunstgrafik an der Ungarischen Universität der Bildenden Künste in Budapest. Er hat an zahleichen renommierten Ausstellungen und Kunstmessen in Ungarn und im Ausland teilgenommen, darunter in Budapest, Wien, Prag, Bratislava, Edinburgh, Cluj-Napoca, Belgrad, Seoul und Kairo. Er hat verschiedene Stipendien erhalten, darunter das HAB-Stipendium für kreative Grafik und Unterstützung aus dem Erasmus+-Programm „Unternehmerische Fähigkeiten für junge Künstler”.
Peter Öllinger beschäftigt sich mit Experimenten zur Erneuerung traditioneller grafischer Techniken, die mit analogen Werkzeugen im postdigitalen Zeitalter erreicht wurden. Die hier präsentierten Werke sind Siebdrucke, bei denen er eine von ihm selbst entwickelte, tonale Lavierungstechnik angewendet hat.
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Bolda Szmrecsányi
The basic idea of the Shadow and Lights series was born from my experiences at an artist colony abroad, where I was deeply moved by the effects of light and shadow observed in nature. In the misty, humid forest, the encounter between sunlight and darkness became a mystical, inner journey for me. The central theme of my works is the boundary between the
visible and the invisible, between reality and perception. The paintings do not depict reality, but rather its atmospheric and emotional imprint. Light symbolizes hope and security, while
shadows symbolize subconscious fears. The series is a visual expression of the search for inner light and the confrontation with the depths of the soul.
Andrea Gabaldoni
Sie ist eine figurative Malerin, geboren in Lima und seit vielen Jahren in Wien ansässig. In ihrem Werk wird der Mensch zu einer emotionalen Landschaft, in der Zerbrechlichkeit und Stärke nebeneinander bestehen – als untrennbare Realitäten. Durch Farbe, Gestik und Komposition erforscht sie jene Bereiche, in denen Bewusstes und Unbewusstes ineinanderfließen und eine innere Ordnung sichtbar wird, die aus dem Chaos entsteht. Ihre Bilder laden zur Kontemplation ein und dazu, eine Schwelle zu überschreiten, an der Veränderung unvermeidlich, tiefgreifend und kraftvoll ist.
Mimoza Arapi
Das Thema, das sich seit vielen Jahren durch Florian Herzogs Werk zieht, ist das Sichtbarmachen von Dingen, die nicht sein wollen, die sie sind. Seine Lightpaintings sind davon keine Ausnahme und reihen sich in die Fragestellung mit ein. Der Lichtstrahl wird zum Pinselstrich, die absolute Dunkelheit wird zur weißen Leinwand und aus Blau, beispielsweise, wird Gelb. Nichts ist, wie es scheint, das Foto wird zum Gemälde. Florian Herzog behilft sich einer Technik, mit der er sich wie ein Maler mit der Farbpalette bewegen kann, ohne seine künstlerische Disziplin, oder sein Thema verlassen zu müssen. Die Lightpaintings sind nicht nur raumfüllende Arbeiten, sondern eine neue künstlerische Ausdrucksart. Während einer Langzeitbelichtung steht der Künstler in absoluter Dunkelheit vor dem Objektiv und bewegt eine Lichtquelle, zum Beispiel eine Taschenlampe. Farbiges Licht landet auf lichtempfindlichem Material, das Ergebnis nach der Entwicklung ist die sichtbar gewordene LichtChoreographie während der Belichtung. Zu sehen sind Motive, die sehr assoziativ zu lesen sind. Farbbahnen, Wasserfälle bis hin zu Landschaften, geometrische Formen, Farbflächen oder Farbverläufe. Sie berühren auf einer intuitiven Ebene, kennt man die Entstehung, öffnen sich Türe und Tore der künstlerischen Rezeption.
Aron Demetz
Demetz presents a collection of recent works that emphasize the significance of materials, guiding his exploration of their unique characteristics and unforeseen implications.
Utilizing the inherent properties of sequoia wood, the artist pushes its limits to uncover singular narratives and details. In his latest pieces, Demetz reexamines the power of subtraction after years of additions, unveiling the metaphor of “winters.”
These phases, noted for their resilience compared to summer months, chronicle the growth years of the trees. The artworks depict the life of these natural giants with all their intricacies, highlighting how even the smallest details contribute to the
formation of sequoias salvaged from a late 19th- century plantation in Alto Adige. The sculptures illustrate how these majestic entities are composed of delicate moments, celebrating the hidden beauty within their structures. The slender lamellae supporting towering natural constructions,
symbols of delicate balance, evoke resilience veiled within vulnerability. These structures, capable of withstanding heights up to fifty meters, reflect the tension between permanence and transience. Delicate yet sturdy lines serve as metaphors for the inherent strength foun
Galina Mischenko
Die Künstlerin widmet sich der klassischen Porträtmalerei und erforscht darin die zeitlose Beziehung zwischen Mensch, Charakter und Darstellung. In ihrer Arbeit verbindet sie traditionelle malerische Techniken mit einer zeitgenössischen Sensibilität für Psychologie und Präsenz. Jedes Porträt versteht sie als stillen Dialog zwischen Modell und Betrachter.
Im Mittelpunkt ihres künstlerischen Interesses stehen Ausdruck, innere Spannung und Würde der dargestellten Persönlichkeit. Durch eine bewusste Reduktion äußerer Effekte und eine präzise, handwerklich geprägte Malweise entsteht ein Raum der Konzentration, in dem Individualität sichtbar wird. Ihre Werke knüpfen an die europäische Porträttradition an und übersetzen sie in eine heutige, ruhige und klare Bildsprache.
Miss Mouse
Miss Mouse, geboren 1979 in Graz, wuchs in einem Umfeld auf, das ihre Leidenschaft für Kunst von klein auf, prägte. Schon als Kind fand sie Freude daran, mit Farben und Materialien zu experimentieren, was ihr ein ausgeprägtes Gespür für Ästhetik und Design verlieh. Ihre Werke fallen durch ihre leuchtenden Farben und die positive Energie, die sie ausstrahlen, auf. Mit der Zeit erweiterte sie ihr kreatives Repertoire und begann mit der Erschaffung von Skulpturen aus PLAFilament, einem biologisch abbaubaren Material, das ihre Werke nicht nur ästhetisch ansprechend, sondern auch umweltfreundlich macht. Diese Skulpturen kombinieren ihre Liebe zur Pop Art mit innovativen Techniken des 3D-Drucks und wurden schnell zum Markenzeichen ihrer künstlerischen Identität. Die Werke von Miss Mouse werden international ausgestellt, darunter eine bemerkenswerte Präsenz auf der ART EXPO NEW YORK, wo ihre leuchtenden Skulpturen und farbintensiven Bilder große Aufmerksamkeit erregten. Ihre Werke sind ein festes Symbol für Hoffnung und den unerschütterlichen Glauben an die Kraft der Kreativität. Miss Mouse lebt und arbeitet heute in Graz.
